Hablemos de graffiti, street art y muralismo contemporáneo

No sé si a ustedes como a mí, alguna vez les ha surgido la duda sobre que diferencia existe entre el graffiti y el street art. Además, recientemente me topé con el termino de muralismo contemporáneo, por lo cual me dí a la tarea de hacer una investigación más a fondo sobre estos temas.

Con este post pretendo aclarar cualquier duda relacionada con el graffiti, el arte urbano o street art y el muralismo contemporáneo. La información que ha continuación les presentaré esta basada en el resultado de lectura de libros, posts y artículos relacionados con el tema y cuyas referencias les compartiré al final.

Todo surge del graffiti, así que comencemos por definirlo.

¿Qué es el graffiti?

El graffiti es la forma plural de la palabra italiana grafficar. En plural, graficar significa dibujos, marcas, patrones, garabatos o mensajes que son pintados, escritos o tallados en una pared o superficie. Grafficar también significa “arañar” en referencia a diferentes escritos de pared que van desde pinturas rupestres, garabatos de baño, o cualquier mensaje que se rasca en las paredes. En referencia al graffiti actual, la definición se califica agregando que el graffiti es también cualquier marcado no solicitado en una propiedad privada o pública que se considera usualmente vandalismo.

La búsqueda de nuevas y creativas maneras de mostrar nombres o pseudónimos en un lugar muy visible, en lugar de simplemente garabatearlos  en todas partes, fue la fuerza fundamental que estimuló el desarrollo del arte del graffiti moderno.

Ejemplos de graffiti

   Cea de Caberna   

 

    
Odeith

 

Zork


Desconocido

¿Qué es el arte urbano o street art?

También conocido como arte callejero. Se le denomina así a todo el arte que encontramos en la calle, más comúnmente en muros y frecuentemente ilegal. El street art tiene sus bases en el graffiti. El termino street art también llamado post-graffiti surge cuando los artistas del graffiti comienzan a incorporar nuevas técnicas a sus trabajos  además del aerosol (que inicialmente era la única herramienta en el graffiti) como por ejemplo: pintura acrílica, pinceles, rodillos, plantillas (stencils), pegatinas, etc.

Los diversos aspectos históricos del graffiti y las diferentes formas y técnicas que existen hoy en día han hecho necesario agrupar todas las ramas de estilo bajo la palabra graffiti, pero muchos artistas tienden a distanciarse de esta palabra porque creen que ya no es contemporánea. Ellos prefieren etiquetar su trabajo como arte en aerosol (aerosol art), post-graffiti, neo-graffiti, street art o muralismo contemporáneo para diferenciarse entre ellos mismos.

Desde mediados de los años 90 el término street art se utiliza para describir el trabajo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de las diversas técnicas  ya mencionadas.

Estos murales también suelen ser comisionados, es decir, solicitados y pagados a los artistas. También se han formado festivales de street art en donde artistas urbanos son invitados a participar y por lo cual comúnmente también reciben un pago.

Algunos artistas del arte urbano tratan de plasmar algún mensaje y otros simplemente quieren agregar un elemento de arte decorativo en una pared, algunos murales también reflejan las personalidades, experiencias y emociones de estos artistas.

Ejemplos de street art


Martín Ron

 


Cea de Caberna

 

Banksy (plantilla-stencil)

 

Adry del Rocío (Tizas o gis pastel)


¿Qué es el Muralismo?

El muralismo es un movimiento artístico iniciado en México, el cual surgió en el año 1922. Artistas e intelectuales mexicanos participaron en la construcción de una nueva identidad nacional. Buscaban consolidar los ideales sociales creados en la revolución, destacando el nacionalismo dentro de su arte, además de cambiar las ideas raciales preexistentes contra los indígenas, ideas que se habían creado durante el periodo colonial. En 1923 el muralismo se volvió muy conocido dentro y fuera de México. “Los tres grandes” David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco.

Los murales pueden elaborarse con distintos métodos, como por ejemplo los métodos denominados al fresco, en el cual la pintura se coloca en el repello de la pared todavía fresca, o al seco en el cual la pintura comúnmente acrílica, se coloca sobre una pared ya seca.

Ejemplos de Muralismo mexicano


David Alfaro Siqueiros, Suplicio de Cuautémoc

 


Diego Rivera, El hombre controlador del universo

 


José Clemente Orozco, Prometeo

¿Qué es el Muralismo contemporáneo?

Es un término relativamente nuevo que no ha alcanzado total aceptación en el mundo del arte y por supuesto, está siendo defendido por los propios artistas dedicados a la creación de murales que hasta ahora habíamos conocido como arte urbano o street art. Algunos estudiosos del arte rechazan o critican este nuevo término para este tipo de murales. Leer

La página de muralismomexicanocontemporaneo.com.mx expresa lo siguiente: El muralismo en México es una corriente incesante que fluye. Cambia de cauce, evoluciona. Ese flujo es, en nuestro presente, el que ahora nombramos Muralismo Mexicano Contemporáneo.

Hay quienes defienden la diferencia entre arte mural y muralismo contemporáneo de la siguiente manera:  Se le llama mural o arte mural a cualquier tipo de técnica gráfica, pictórica o escultórica aplicada al muro. Se llama muralismo al movimiento surgido en México en 1922, donde artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y otros formularon el primer manifiesto muralista de América, manifiesto publicado en la revista “El Machete”. El mismo, con la visión de utilizar como soporte a un muro o elemento que funcionará como tal debería transmitir un mensaje con sentido estético- ético social, político, pedagógico. La imagen debía ser representada de determinada manera y apuntar a todas las clases sociales.

 

¿Esta pintura es arte urbano (street art), es un mural, es muralismo contemporáneo o es un graffiti?

Aryz

El propio artista ha denominado su trabajo como muralismo contemporáneo.  Aún así, suele ser reconocido como arte urbano o street art. No es un graffiti ya que para su realización se utilizaron otros materiales además de aerosol, por la dimensión y porque no incluye ninguna tipografía ornamentada en su diseño. También es correcto identificarlo como mural, pintura mural o arte mural.

Historia sobre los inicios del graffiti y el street art

Los orígenes del graffiti se remontan a los inicios de la vida humana y social. El pintado se ha encontrado en los monumentos egipcios antiguos, descubiertos, y el graffiti incluso se preservó en las paredes en Pompeya. El graffiti es la forma plural de la palabra italiana grafficar. En plural, graficar significa dibujos, marcas, patrones, garabatos o mensajes que son pintados, escritos o tallados en una pared o superficie. Grafficar también significa “arañar” en referencia a diferentes escritos de pared que van desde pinturas rupestres, garabatos de baño, o cualquier mensaje que se rasca en las paredes. En referencia al graffiti actual, la definición se califica agregando que el graffiti es también cualquier marcado no solicitado en una propiedad privada o pública que se considera usualmente vandalismo.

En 1904 la primera revista en prestar atención a un baño con graffiti fue una revista llamada “Anthropophyteia”. Después, durante la segunda guerra mundial, los nazis solían escribir en paredes para despertar odio hacia judíos y disidentes. Sin embargo, el graffiti fue también importante para los movimientos de resistencia como una manera de publicar sus protestas al público en general. Un ejemplo de ello fue un grupo llamado “The White Rose” (La rosa blanca), un grupo alemán inconformista que hablo en contra de Hitler y su régimen en 1942 a través de folletos y pinturas en la pared en las estaciones del metro hasta que fueron capturados en 1943.

El graffiti actual se desarrolló hacia finales de los 70’s en Nueva York y Filadelfia,  donde artistas como Taki 183, Julio 204, Cat 161 y Cornsbread pintaron sus nombres en paredes de las estaciones del metro alrededor de Manhattan.

Inicialmente los artistas del graffiti usaban sus nombres reales o apodos, pero después comenzaron a firmar con  pseudónimos.

Seen, Lee, Dondi , Stayhigh 149, Zephyr, Blade and Iz the Wiz llegaron a ser héroes  por la cantidad y calidad de su trabajo. Los artistas inicialmente elegían trenes debido a que ellos continuamente viajaban por toda la ciudad y así fueron vistos por millones de personas. A mediados de los 80’s este suceso aumentó y no había un solo tren que no hubiera sido pintado con aerosol de arriba abajo. Esto cambio alrededor de 1986, cuando autoridades de  Nueva York tomaron medidas para proteger el lugar del graffiti, poniendo cercas alrededor de la estación y puliendo los trenes regularmente.

El fenómeno del graffiti se esparció a través de Estados Unidos, y pronto los trenes se convirtieron en objetivos en Europa.

Con la llegada del hip-hop el graffiti europeo despegó. La mayoría de graffiti en Europa y fue basado en el modelo americano, el cual permanece como el más popular de hoy en día. Con el hip-hop, el graffiti entro en casi todos los países occidentales y comenzó a expandirse más lejos. Asia y América del sur entraron después, pero su cultura de graffiti está creciendo y ha alcanzado estándares altos, particularmente en América del sur.

El modelo de graffiti de Nueva York se centro en la distorsión de letras, pero muchos nuevos enfoques han surgido. A través de los años, el estilo de letras originales se han desarrollado para abarcar un gran rango de diferentes tipos de tipografías: La legible “Blockletter”, la distorsionada y entrelazada “wildstyle”, la familiar “burbuja” y “3D”.

Personajes que comenzaron como auxiliares de las letras, ahora forman su propio grupo de graffiti y van desde figuras cómicas hasta las de foto realismo perfecto. El logotipo y el graffiti icónico, por otra parte, se especializan en emblemas llamativos o figuras respectivamente.

Aunque el aerosol es la herramienta tradicional del graffiti, las elecciones de material disponible en estos días pueden ser (por nombrar algunas): pintura acrílica, óleo, aerógrafo, tizas, posters, pegatinas o plantillas (stencil).

Los diversos aspectos históricos del graffiti y las diferentes formas y técnicas que existen hoy en día han hecho necesario agrupar todas las ramas del estilo bajo la palabra graffiti. Muchos artistas tienden a distanciarse de la palabra graffiti porque piensan que ya no es contemporánea. Ellos prefieren etiquetar su trabajo como arte en aerosol, post-graffiti, neo-graffiti, street art o muralismo contemporáneo para diferenciarse entre ellos mismos.


Referencias

Libros

Graffiti World Street Art From Five Continents
Nicholas Ganz
Tristan Manco

Street Art: From Around the World
Garry Hunter

Cuadernillo: Arte Mural. Pensar Argentina, mirar Latinoamérica

Sitios web

http://www.graffiti.org
http://revista.escaner.cl/node/7146 
http://www.elespanol.com/viajes/20160426/120238259_0.html 
http://www.muralismomexicanocontemporaneo.com.mx/acerca-de.php
http://www.24-horas.mx/una-retrospectiva-del-muralismo-mexicano-contemporaneo/
http://www.informador.com.mx/cultura/2010/194567/6/el-arte-contemporaneo-actual-ha-denostado-al-movimiento-muralista.htm

Diferencias entre Pintura acrílica, Óleo y Acuarela

Cuando queremos usar pintura acrílica, óleo o acuarela por primera vez, siempre es normal sentirnos confundidos al no saber en que casos usar una u otra. Aquí les explicaré las diferencias entre cada una de ellas para que la elección les resulte más fácil.

Pintura acrílica: Pertenece al grupo de los “temples”, que son pinturas en las que uno de los aglutinantes principales es el agua. (Aglutinante: sustancia utilizada para diluir). La pintura acrílica es una mezcla de resina sintética,  agua, pigmento y otros componentes  que dependerán del fabricante y de la calidad de la pintura, su uso y conservación.

Pintura-acrilica-todas

  • Las pinturas acrílicas se pueden encontrar en marcadores (marcadores de pintura acrílica), tubos y botes de diferentes tamaños.
  • Su secado es muy rápido.
  • Se diluye con agua.
  • Es resistente al agua una vez seco.
  • Gran resistencia a la luz.
  • Los precios son desde muy bajos (escolares) hasta más elevados (profesionales).
  • Son pinturas de baja toxicidad y olor.
  • Se puede trabajar sobre tela, papel, cartón, madera, yeso y todo tipo de superficie porosa.
  • La pintura acrílica también es usada para pintar murales.
  • Si le aplicamos barniz una vez acabado el trabajo, los colores no perderán  intensidad.
  • Una vez seco, el acabado es mate (no brilloso).
  • Al secarse, el tono cambia ligeramente de color.

Óleo: Es pintura hecha a base de pigmentos (polvo) que se mezclan con algún aglutinante (sustancia utilizada para diluir) hecho a base de aceite de linaza, nuez, o cártamo.

Oleo-tubo

  • El óleo se comercializa en tubos y latas (artists oil colors).
  • Las superficies sobre las que se utiliza son: Metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla. Para los lienzos las telas más utilizadas son el lino, la arpillera y el algodón.
  • El óleo normalmente no se usa para murales.
  • Se utiliza aguarrás, aceite de linaza o solvente sin olor para conseguir una pincelada más fluida.
  • El óleo permanece húmedo mucho tiempo, lo cual favorece la mezcla de colores y permite retirar pintura y repasar algunas áreas.
  • Los precios son desde muy bajos (escolares) hasta más elevados (profesionales).
  • Tiene una elevada consistencia y viscosidad cremosa.
  • Se puede usar barniz protector sobre un trabajo terminado.
  • Los colores pueden ser aplicados de dos formas: de manera pastosa o en suave transparencias (depende de la cantidad de solvente que se use).
  • Puede tener un acabado mate o brillante (dependiendo la cantidad de solvente que se utilice).
  • El color no se modifica al secarse.
  • Tiene un olor particular (No muy fuerte).

Qué materiales se necesitan para pintar al óleo

 


Acuarela: Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua que se use). A veces dejan ver el fondo del papel blanco. El término acuarela se refiere a la pintura transparente.

Acuarelas-1

  • La acuarela se comercializa en pastillas, barras, lápices y tubos.
  • La superficie sobre la que se utiliza es el papel. Hay diferentes texturas, tamaños y colores de papel para acuarela.
  • La acuarela no se diluye directamente en agua como el acrílico, sino que son los pinceles los que son mojados para después ser pasados sobre la acuarela y así poder pintar sobre el papel.
  • Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanta más calidad tienen los pigmentos (varía según las marcas).
  • El color de la acuarela cambia dependiendo la cantidad de agua que se use en los pinceles o esponjas utilizados para pintar.
  • Tiene un olor casi imperceptible.
  • Los precios son desde muy bajos (escolares) hasta más elevados (profesionales).

Qué materiales se necesitan para usar acuarelas


 

Colores primarios, secundarios y terciarios

Antes que nada, es importante saber que los colores se clasifican en dos tipos: Los emisores de luz (colores luz) y los  pigmentales (colores pigmento).

Colores Primarios

Tanto en los colores luz como en los colores pigmento, existen los colores primarios. Se definen como colores primarios a los colores puros, aquellos que no se pueden obtener mediante la mezcla de ningún otro color y de los cuales al mezclarse en ciertas proporciones se pueden obtener todos los demás colores.

Colores Luz

Estos están compuestos por luz  y son los colores que vemos por ejemplo en los focos y pantallas de cualquier tipo (computadora, celulares, televisiones, etc…).
Los colores primarios son: Rojo, verde y azul (modelo de color RGB – sigla en inglés de red, green, blue). Estos colores luz también son conocidos como colores aditivos, esto derivado de la Síntesis Aditiva.
Síntesis aditiva: Se le llama así a la mezcla de ciertas proporciones de los colores primarios (rojo, verde y azul)  de la cual se obtienen todos los colores del espectro luminoso; con la mezcla en cantidades iguales de estos tres colores se obtiene el blanco (añade luz).
colores-aditivos-rgb

Toda la información que les explicaré a continuación, esta basada exclusivamente en los colores pigmento.

Colores Pigmento

Estos son los colores que utilizamos en dibujo, pintura e imprenta.
Los colores primarios son: Cian, Magenta, Amarillo (modelo CMY – sigla en inglés de cyan, magenta, yellow). También son conocidos como colores sustractivos, esto derivado de la síntesis sustractiva. Síntesis sustractiva: Se le llama así a la mezcla de ciertas proporciones de los colores primarios (cian, magenta y amarillo)  de la cual se puede obtener una variedad infinita de colores; con la mezcla en cantidades iguales de estos tres colores se obtiene el negro (sustrae luz).

Colores-sustractivos-cmy

¿Y qué hay de lo que siempre hemos escuchado… que el rojo, amarillo y azul son los colores primarios?

Comúnmente son utilizados los colores primarios tradicionales que son el rojo, amarillo y azul (modelo RYB – sigla en inglés de red, yellow, blue). En la actualidad el modelo RYB precursor del modelo CMY es considerado como obsoleto e impreciso, pero aún se sigue aplicando en el mundo de las artes.

colores-primarios-tradicionales-1

En este modelo, a diferencia del CMY, no se puede obtener el color negro con la mezcla de cantidades iguales de estos tres colores. Las proporciones para obtenerlo varían.

¿De dónde nace este modelo de color RYB?

Este modelo se basa en teorías del color desarrolladas por la Escuela Francesa de Pintura en el siglo XVIII. 

¿Por qué se considera impreciso y obsoleto?

La imprecisión recae en que el modelo RYB toma a dos colores realmente secundarios -Azul y Rojo- como primarios (El azul se obtiene al mezclar el cian y el magenta; el rojo se obtiene al mezclar el magenta y el amarillo), debido a lo cual se pierde una importante cantidad de tonos que son imposibles de obtener. El modelo CMYK, que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo corrige en gran parte estas imprecisiones y por eso se utiliza industrial y científicamente. En los sistemas de impresión conocidos como CMYK se agrega la K (key o Black).

Colores secundarios

Son los colores que se obtienen al mezclar en partes iguales los colores primarios de dos en dos. Considerando que en artes, se siguen considerando como colores primarios el rojo, amarillo y azul partiremos de esto para decir que los colores secundarios son el naranja, el verde y el violeta.

colores-secundarios

Colores Terciarios

Son los que se obtienen mediante la combinación de un color primario y un secundario. Estos colores terciarios son 6: Rojo violeta, rojo naranja, amarillo naranja, verde amarillo, azul verde y azul violeta.

Colores-terciarios-1
Y así podría ir creciendo la gama de colores. Como pueden ver, los colores primarios son la base para la creación del circulo cromático.

El circulo cromático y colores complementarios serán estudiados más a detalle en otra sección.

 

Zentangle Art

Zentangles-01

Aquí encontrarás todo lo que necesitas saber sobre Zentagle Art, origen, definición, cómo crear un Zentangle, ejemplos de patrones (tangles), etc.

¿Qué es Zentangle Art?

Arte basado en el Método Zentangle.

Método Zentangle:  En definición de sus propios creadores: “El Método Zentangle es fácil de aprender, es relajante y es una manera divertida de crear hermosas imágenes dibujando patrones estructurados llamados tangles“.

Zentangle: Imagen hecha a base de diferentes patrones.

Significado: “Zen” (meditación) “Tangle” (garabato).

Tanglers: Maestros Certificados en Zentangle (Certified Zentangle Teacher-CZT).

Creadores del método Zentangle: Maria Thomas (Calígrafa) y Rick Roberts (Formado como monje budista durante 17 años).

Algo muy importante a considerar es que para crear un Zentangle no se necesita saber dibujar. Este método fue creado para que cualquier persona de cualquier edad pueda practicarlo sin importar el lugar ni la hora. Más adelante les explicaré a detalle como crear un Zentangle.

Los Zentangles son creados sobre cuadrados de 9cm (3.5 in), para dibujarlos se usa tinta negra sobre papel blanco. Están diseñados para ser completados en una sola sesión con la finalidad de que la persona que lo dibuja pueda obtener una sensación inmediata de logro al completar su obra de arte.

Los expertos sugieren material de calidad para su creación. Específicamente sugieren papel Fabriano Tiepolo y plumas negras Sakura Pigma Micron (tinta de alta calidad) de .25mm y .5mm.

Un dato interesante es que a cualquier imagen que sea más grande que un cuadrado de 9cm (3.5 in) o en la que no se utilice tinta negra sobre papel blanco es categorizada como Arte Inspirado en Zentangle (Zentangle Inspired Art – ZIA).

“La esencia de esta método Zentangle consiste en dejarnos llevar por los trazos, enfocándonos en el aquí y el ahora, en la actividad que estamos realizando, no dejar vagar la mente sino centrarnos en el dibujo que va surgiendo, trazar una forma intuitiva y espontánea, sin una idea previa y sin pensar en el resultado.” Así lo definen los creadores del método en su página oficial.

“A primera vista, una creación de Zentangle les puede parecer compleja y complicada, pero cuando se aprende cómo hacerlo se pueden dar cuenta de lo fácil que es. . . algo así como aprender el secreto detrás de un truco de magia. Entonces, cuando se crea una pieza de “Zentangle Art”, se dan cuenta de lo divertido y fascinante que es el proceso en sí”.  -Maria y Rick.

Beneficios del Método Zentangle

  • Relajación
  • Insomnio (Mejora del sueño mediante la creación de arte Zentangle antes de acostarse)
  • Autoestima
  • Inspiración
  • Los ataques de pánico (para el miedo a volar, la creación de arte Zentangle durante el despegue y aterrizaje)
  • modificar el comportamiento
  • Crear hermosas obras de arte
  • Alimentar y desarrollar las capacidades creativas
  • Aliviar el estrés
  • Mejorar la coordinación ojo / mano
  • Desarrollar / rehabilitación de la motricidad fina
  • La formación de equipos y grupos de enfoque
  • Terapia
  • Control de la ira
  • herramienta de terapia adicción
  • ayudante de la dieta
  • desarrollo tempranas del artista y la apreciación
  • Aumentar la capacidad de atención y capacidad de concentración
  • La resolución de problemas
  • Inspiración

Después de leer todo esto ¿Les dieron ganas de intentarlo? Ojala que sí, porque en realidad crear un Zentangle es demasiado satisfactorio. A continuación les voy a mostrar cómo crear uno, así como un par de flores tipo mandalas muy sencillas pero hermosas.

Cómo crear un Zentangle

Materiales:

  • Yo utilicé una pluma de tinta punto fino (estas plumas se pueden conseguir también en papelerías).
  • El papel que utilicé fue simple papel marquilla, el papel sugerido es alguno que resista la tinta (ink). Normalmente son algo gruesos y de superficie lisa, pero igual pueden probar en cualquiera que tengan a la mano.
  • Un lápiz escolar (cualquiera).

Paso 1: Sobre un cuadrado de 9cm x 9cm usando el lápiz, dibujen un garabato cualquiera, incluso puede ser un cuadro, pero dividanlo en diferentes partes como mejor les parezca. No hay reglas. No traten de imitar ningún otro, háganlo de manera espontánea.

Ejemplo:

Garabato-zentangle

Paso 2: Esta es la parte divertida. Necesitan rellenar cada sección con un patrón distinto. Un patrón es una imagen que se repite. Pueden usar formas simples, cualquiera que se les ocurra, lo importante es que cada sección sea diferente. Estos son algunos patrones que usé en algunos Zentangles que creé. Pueden usarlos de referencia al iniciar y continuar con patrones que se les vayan ocurriendo. Si deciden cambiar el garabato inicial confirme vayan dibujando los patrones, también es valido.

Tangles

Estos son cuatro de los Zentangles que he hecho. Los dos garabatos de arriba pertenecen al segundo Zentangle de la primera fila y segunda fila, solo que están en diferente posiciones. El patrón del primer Zentangle se llama “Paradox” y más adelante les mostraré como hacerlo.

Zentangle-Art

Y así de simple es como se hace un Zentangle. La herramienta más importante es su imaginación.

En internet pueden buscar en google la palabra “Zentangles” y aparecerán muchísimos dibujos de los cuales pueden tomar ejemplos de patrones, pero nunca traten de copiar un Zentangle en específico, si lo hacen estarían perdiendo el objetivo de este método que es lograr la relajación y concentración total. Si cometen algún error al momento de crear un patrón, de ese error pueden obtener uno nuevo que les permita continuar. No deben usar lápiz para dibujar los patrones sino que tienen que usar la pluma desde el principio. No se preocupen si las figuras no son las más perfectas, al final seguro que se verá hermoso.

Como les comenté anteriormente el patrón utilizado en el primer Zentangle se llama Paradox. Existen “tangles” oficiales creados por los creadores del Zentangle, además de los nuevos patrones que crean los Tanglers quienes les mencioné arriba son Maestros Certificados en Zentangle (Certified Zentangle Teacher-CZT). Todos esos patrones se identifican por un nombre.

Este patrón “Paradox” se puede dibujar sobre triángulos, rectángulos o cualquier otra figura. Una vez que aprendan como se hacen en un triangulo, lo podrán aplicar en cualquier figura.

El primer paso es dibujar un triangulo, en este ejemplo comenzaré desde abajo, desde donde se comienza siempre es lo cerrado abriendo un poco hacia arriba (hacia donde se dirige).

paradox-1

Ahora inicio de arriba abriendo un poco hacia abajo (hacia donde se dirige), lo que estaríamos haciendo es formar un triangulo pero “chueco”.

paradox-2

Continuo para terminar el triangulo, de izquierda a derecha abriendo a la derecha (hacia donde se dirige).

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Y desde ahí vuelvo a empezar siguiendo el mismo procedimiento.

paradox-4paradox-5

Así lo hago hasta que el triangulo se cierra completamente. Lo pueden ir haciendo sin despegar la pluma del papel si se sienten confiados, sino pueden ir haciendo línea por línea hasta que tomen practica. Si lo hacen lento tienen más probabilidad de que dibujen las líneas “chuecas”, traten de dibujarlas  a una velocidad media.

paradox-6

Ahora, al hacerlo con varios triángulos continuos nadie pensaría que son eso… simples triángulos, como lo pudieron apreciar en el primer Zentangle que les mostré.

Para esto pueden practicar dibujando un rectángulo y dividirlo en varios triángulos o dibujar una figura distorsionada y rellenarla de triángulos como lo hice yo en la segunda imagen:

paradoxparadox-7A

Es cuestión de ir rellenando cada triangulo como les mostré arriba. Supongamos que la sección que marco con rojo es el lado ancho de la figura, si inician siempre desde el lado ancho les dará este tipo de formas:

Paradox-10

Si comienzan del lado delgado les dará una forma de abanico, si comienzan de diferentes lados obtendrán diferentes figuras,  diviértanse probando. También pueden aplicarlo sobre rectángulos o cualquier otra forma que se les ocurra, será cuestión de que experimenten y seguro que dejarán a sus amigos impresionados.

Si les interesa aprender a dibujar más patrones, pueden visitar la página www.tanglepatterns.com donde diferentes tanglers diseñan nuevos patrones y explican como hacerlos. Ejemplo: cómo dibujar el tangle Paravan.

También existen kits completos para iniciar a crear Zentangles que se pueden conseguir en la página oficial de los creadores click aquí.

Pueden utilizar también el método Zentangle dentro de cualquier forma; gatos, elefantes, letras, búhos, etc.

Por último, les comparto un par de flores tipo mandalas bastante sencillas, donde utilicé patrones muy simples.

Este dibujo lo inicié del lado izquierdo, primero dibujé un circulo incompleto y sobre este fui agregando las figuras que se me fueron ocurriendo, encima dibuje otro cuarto de circulo y fui encimando los pétalos y líneas, de nuevo dibujé un cuarto de circulo y encimé más figuras, así sucesivamente, cuando terminé los últimos pétalos comencé de lado izquierdo. En este dibujo no usé compás, pero bien podría usarse uno para ir marcando los medios arcos o marcarlos todos desde el principio (dejando diferentes espacios) para después ir rellenando los espacios como se vayan inspirando. Esto no es un Zentangle, es una imagen inspirada en Zentangle. La hice sobre una hoja blanca de las simples que se consiguen en las papelerías, usando un marcador de punto fino .4mm. Bien podría ser usado para forrar alguna libreta.

Flor-zentangle

Esta flor la hice sobre cartulina escolar negra. Primero marqué los circulo con un compás y fui rellenando con patrones que se me fueron ocurriendo. Utilicé una pluma de gel blanco, pero bien podría haber utilizado un corrector en pluma (liquid paper).

Flor-zentangle-negro

Espero que esta información les haya sido de utilidad y sobre todo espero que se animen a intentarlo. Estoy segura de que no se van a arrepentir.